L’Antiquité s’affranchit du latin au 18^e siècle : avant cette période le savoir sur l’Antiquité passait essentiellement par l’intermédiaire de textes écrits, transcrits de générations en générations pendant le Moyen Âge puis imprimés, étudiés par les savants et objets d’enseignement. Au 18^e siècle l’Antiquité apparait sous un nouveau visage, composé à partir des vestiges trouvés dans le sol, monnaies, statues, peintures découvertes sous les laves d’Herculanum, ruines observées attentivement, le tout avec un nouveau regard, celui de la beauté en Art et celui de l’analyse rigoureuse.

La confrontation d’une Antiquité mieux connue par une vision experte – qui deviendra ensuite celle de l’archéologie – et d’une évolution des mœurs et des croyances du siècle des Lumières se jouera dans plusieurs domaines. L’art deviendra néoclassique : la beauté mais aussi la moralité deviendront les mots d’ordre de la production artistique et littéraire. La politique de la Révolution s’inspirera des vertus des Anciens. Cela ne sera pas sans conséquences sur l’enseignement du latin comme nous le verrons dans un prochain billet.

Le catalogue de La fascination de l’antique, exposition tenue à Lyon de décembre 1998 à mars 1999 au musée de la Civilisation gallo-romaine, va nous servir de repère pour discerner ce nouveau regard du 18^e siècle sur l’Antiquité [1].

Rome est depuis la Renaissance le lieu de prédilection de fournitures d’objets antiques issus de travaux urbains ou de fouilles plus systématiques, qui alimentent un marché où s’approvisionnent les « antiquaires » – au sens ancien du terme, c’est-à-dire désignant des érudits collectionneurs. Au 18^e siècle, les fouilles deviennent plus systématiques comme dans les vignes qui entourent le site de la ville de Rome ou à la Villa d’Hadrien à Tivoli.

Ce qui caractérise les érudits qui étudient les résultats des fouilles, est le souci de les répertorier et de les analyser d’une manière que l’on peut qualifier de scientifique. Par exemple, un des érudits de l’époque, Francesco Bianchini, était aussi un astronome de renom et c’est lui qui établit le relevé des inscriptions du colombarium des esclaves et affranchis de Livie, découvert sous la Via Appia : [2]

L’État pontifical tente d’interdire l’exportation des œuvres d’art mais comme la loi est répétée très fréquemment, c’est le signe qu’elle était peu efficace. En 1733 l’édit est réitéré par Clément XII et il ouvre le musée du Capitole au public. Ce lieu devint un point de visite obligatoire pour tous ceux qui se rendent à Rome et un lieu d’étude dont l’abbé Jean-Jacques Barthélemy écrivait à son propos « Ce n’est plus un Cabinet, c’est le séjour des dieux de l’ancienne Rome, c’est le Lycée des philosophes, c’est un Sénat composé des rois de l’Orient. Que vous dirai-je ? un peuple de statues habite le Capitole : c’est le grand livre des antiquaires » [3].

« Ce n’est plus un Cabinet » par ces mots Barthélémy désignait les cabinets de curiosité » qui étaient des pièces ou des meubles dans lesquels les élites entassaient les choses curieuses et intéressantes qu’ils s’étaient procurées. Voici à titre d’exemple un cabinet peint par Frans Franken le Jeune en 1620  [4]

On y distingue des œuvres d’art, des spécimens d’histoire naturelle (coquillages), des médailles, une arme (pas encore d’antiquités).

« Ce n’est plus un cabinet » pour plusieurs raisons : ce n’est plus l’exclusivité d’une personne car le Capitole est ouvert au public ; il est spécialisé dans l’art et le nombre des œuvres exposées va permettre aux érudits de chercher une logique dans ce qui est exposé.

Ces propos se trouvaient dans une lettre au comte de Caylus en 1756, personnage exemplaire de cette époque.

Caylus

Anne Claude Philippe de Torbières, comte de Caylus (1692-1765) est un antiquaire, homme de lettres et graveur. Ce qui le caractérise comme antiquaire est qu’il s’intéresse à tout mais aussi à ce qu’il appelle des « guenilles » au sens de choses méprisables.

« Je ne fais pas un cabinet de curiosité, la vanité n’est pas mon objet : je ne me soucie pas de morceaux d’apparat mais des guenilles d’agate, de pierre, de bronze, de terre, de vitre qui peuvent servir en quoi que ce soit à retrouver un usage » [5].

Sa recherche, et c’est en quoi elle est aux origines de l’archéologie moderne, vise à comprendre la technique de réalisation des objets. Pour cela il accumule des séries qui seront à la source de classements que l’on appelle aujourd’hui des typologies. L’analyse du style et des modes de fabrications d’un objet permettent de le dater et de le situer.

Une autre caractéristique de sa démarche scientifique est la volonté de publication : son Recueil d’antiquités égyptiennes, étrusques, grecques et romaines comporte six volumes qu’il écrira entre 1752 et 1765.

Avec Caylus nous sommes aux sources d’une nouvelle perspective vis-à-vis de l’antiquité qui renouvelle la vision qui était donnée par les seuls textes anciens. Au contraire, cette démarche les éclaire. Mais une nouvelle perspective, celle de l’art, va nous être apportée par Winckelmann.

Winckelmann

Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) érudit allemand, est devenu bibliothécaire du cardinal Albani qui possédait de riches collections de sculptures. Son Histoire de l’art dans l’Antiquité, publiée en 1764 va devenir célèbre dans toute l’Europe [6].

Lui aussi avait apprécié le musée du Capitole : « Ici se trouve le trésor des antiquités, statues, sarcophages, bustes, inscriptions de Rome et ici, on peut être libre du matin au soir » [7].

Dans une première partie de son livre Winckelmann commence par étudier l’art des anciens, région par région : Égyptiens, Étrusques, Grecs puis Romains. Puis dans une deuxième partie il examine seulement l’art grec en fonction de l’histoire politique et il constate que c’est dans les périodes où Athènes est autonome que l’art se développe et atteint ses sommets.

Il résume son point de vue dès le début de la deuxième partie : « la leçon de toute cette Histoire, c’est que la liberté permit l’essor de l’art » [8]. Il part de la période de Périclès : « La période la plus faste pour l’art, en Grèce et singulièrement à Athènes, fut celle des quarante ans pendant lesquels Périclès gouverna, pour ainsi dire, la République (…) Ce fut l’âge d’or de l’art » [9]. La raison en est que « la concorde favorisait le travail des artistes (…) le mérite de chacun, publiquement reconnu et justifié, décourageait toute jalousie » [10]. C’est l’époque de Phidias, de Sophocle qui fait jouer Œdipe roi.

Mais quand les Athéniens perdent leur liberté comme après la guerre de Péloponnèse, cela se fait au détriment de l’art. Mais « c’est au milieu de ces tourments que Thrasybule émergea pour devenir le sauveur de la patrie (…) et un an plus tard, un décret prescrivant l’oubli de tout ce qui s’était passé rétablit la paix et la tranquillité à Athènes » [11].

L’art se réveilla à cette époque et cela « montre que le destin de l’art et celui d’Athènes sont indissociables et que sa floraison a toujours dépendu de la prospérité de cette ville » [12]. Même conséquence après la victoire de Mantinée en 372 : c’est « la dernière époque des grands hommes pour la Grèce » Xénophon, Platon, Démosthène, Praxitèle.

La décadence vient avec la mort d’Alexandre mais « laissé à l’abandon en Grèce, l’art fut appelé en Asie par les Séleucides et les artistes locaux se mirent à rivaliser avec ceux qui étaient restés en Grèce » [13]. De même à Alexandrie « qui devient ce qu’Athènes avait été ; les savants et les pètes les plus illustres quittèrent leur patrie pour y trouver la gloire » comme Euclide, Théocrite ou Callimaque tandis qu’à la même époque « un gout corrompu se répandit chez les Grecs »  [14].

Quand les Romains triomphent du roi Philippe V de Macédoine, le général romain Flaminius proclama aux Jeux isthmiques de 196 av. J-C que les Grecs n’avaient pas été conquis mais libérés (de la domination macédonienne) mais, quarante ans plus tard, « après que la Grèce eut été transformée en province romaine, l’histoire ne mentionne aucun artiste célèbre de cette nation » [15].

Cette théorie de Winckelmann de la liberté qui permet l’épanouissement de l’art devint aussi célèbre que ses descriptions longues et passionnées de certaines sculptures comme Le Laocoon, le Torse d’Hercule ou l’Apollon du Belvédère [16]. En 1765 l’article « Sculpture » de l’Encyclopédie signale déjà ce lien entre la perte de la liberté chez les Grecs et la dégénérescence de l’art [17]. Diderot discute de ses résultats dans le Salon de 1765 [18] mais l’association entre la liberté et l’excellence des Grecs va être mis en relief par la Révolution et même subir ce qu’il faut bien appeler une perversion en développant le thème que puisque maintenant la France est le pays de la liberté, elle est l’héritière de la Grèce et doit légitimement devenir le lieu d’accueil des œuvres antiques. Comme le dit Edouard Pommier « les chefs-d’œuvre de l’art, victimes d’un exil séculaire sous le règne du despotisme, sont restitués à la vie et retrouvent leur vraie destinée au foyer de la liberté » [19]. Sous le Directoire, à la suite des victoires de Bonaparte en Italie, l’entrée d’œuvres d’art est fêtée solennellement le 9 Thermidor an VI.

Si l’on examine avec soin la pensée de Winckelmann, on se rend compte que la « liberté » qu’il souligne est celle des anciens, le fait pour un pays, et non pour un individu, de ne pas être sous le joug d’une puissance étrangère, d’être autonome. Pour Winckelmann, l’art s’épanouit dans des circonstances favorables, comme le climat en Grèce et quand la société où vit l’artiste est apaisée, vit dans la concorde sans secousses politiques liées à des agressions extérieures. Confondre cette liberté des anciens avec celle des modernes qui revendiquent la liberté dans la vie privée est une erreur de la Révolution que critiquera Benjamin Constant dans sa célèbre conférence donnée en 1819, De la liberté des Anciens comparée à celle des Modernes.

Le néoclassicisme

Du fait de la pensée de Winckelmann et du développement d’une nouvelle démarche qui s’apparente à l’archéologie comme celle de Caylus. L’Antiquité prend un nouveau visage, lié à des objets anciens étudiés avec soin ce qui entraine de nouvelles pratiques en art. Le classicisme, cette mise en œuvre de l’Antiquité au gout du 17^e siècle se renouvelle et devient néoclassicisme. L’Antiquité en est toujours la source mais la représentation gagne en précision historique et les thèmes sont ceux de la mise en valeur de la vertu antique, thème qui sera cher aux révolutionnaires en général et à Robespierre en particulier. Un bon exemple en est La mort de Socrate de David (New York, Metropolitan Museum of Art).

David met en avant la dimension stoïque de Socrate : cet exemple de vertu est traité en respectant les détails historiques. Par exemple la coupe basse que va prendre Socrate est une Kylix (κύλιξ), coupe utilisée pour boire du vin dans les banquets et retrouvée très souvent dans des tombes car elle était utilisée dans les rituels funéraires.

Le thème de la vertu est très fréquent : Rousseau cite la vertu de nombreuses fois dans sa Prosopée de Fabricius [20], et Robespierre a porté le discours de la régénération de la vertu civique à son plus haut point et en a tiré les conséquences les plus redoutables : la terreur s’est faite au nom de la régénération de la vertu.

Avant la Révolution, le nouveau visage de l’Antiquité se trouve également diffusé par de nouvelles pratiques sociales comme celle du Grand Tour.

Le Grand Tour

C’est en Angleterre au 17^e siècle que l’on a découvert que pour comprendre Tite-Live ou César il fallait avoir fait « le Grand Tour de France et le Giro d’Italie » [21]. De ce fait aller en France puis à Rome devient un élément fort de l’éducation des gentilhomme britanniques (et l’on sait aujourd’hui qu’un tel voyage est bien utile pour les élèves qui suivent un enseignement de latin, pour donner réalité aux textes anciens).

Le terme « Grand Tour » est anglais et ils sont les plus nombreux (et c’est ce terme qui donnera naissance au mot « tourisme ») mais les français le nomment le « voyage d’Italie ». Dans la seconde moitié du 18^e siècle le phénomène se développe. Le voyage du jeune aristocrate se fait, accompagné d’un tuteur, et il permet aussi de rencontrer des gens de même condition sociale avec lesquels le jeune va nouer des relations qui lui seront utiles plus tard. Au fur et à mesure, le spectre social s’élargit et le phénomène devenant numériquement plus important entraine la création de reproductions qui sont ramenées en Angleterre. Archéologie et esthétique s’associent et favorisent la diffusion de l’œuvre de Winckelmann. Des guides pratiques sont imprimés qui indiquent ce qu’il faut avoir vu. Le Grand Tour a été un des instruments de la diffusion de l’image de l’Antiquité.

Une autre institution est le fruit du désir de se former à Rome, c’est l’Académie de France à Rome.

L’Académie de France à Rome

A l’initiative de Colbert, Louis XIV crée en 1666 une Académie de France à Rome pour donner un complément de formation à de jeunes artistes qui permettraient au Roi de décorer le parc de Versailles. Le Grand Prix de l’Académie permettait un séjour à Rome. En 1744 , le vénitien Piranèse s’installe près du siège de l’Académie et aura sur ses membres une grande influence avec des créations comme cette Chambre funéraire qui utilise des éléments du Columbarium de Livie vu plus haut et qui donne un mélange d’éléments antiques revus par un visionnaire [22].

Hubert Robert, pensionnaire de l’Académie de 1759 à 1762, et son ami Fragonard sont influencés par Piranèse et vendent des dessins de Rome aux nombreux visiteurs du Grand Tour. 

Quelques années plus tard, en 1775, les élèves de l’Académie sont invités à étudier l’Antiquité pour elle-même et c’est l’époque où David est à Rome et sa précision dans la reproduction de l’antique y gagne (voir plus haut) [23] mais la vision précise de l’antiquité qu’elle apporte est confortée par des approches textuelles, celles très célèbres de Mably et de Barthélemy [24].

Les entretiens de Phocion

Brodant sur la vie de Phocion, un général grec contemporain de Démosthène, racontée par Plutarque, l’abbé de Mably, philosophe, frère de Condillac, feint en 1763 de traduire des entretiens entre Phocion, ce général et un certain Nicoclès qui les aurait recueillis comme Platon ou Xénophon ont recueilli les paroles de Socrate. Par le biais de la fiction littéraire, il veut parler à ses concitoyens. Le titre exact est : entretiens de Phocion, sur le rapport de la morale avec la politique.

L’ensemble des entretiens se passe donc entre Phocion et un jeune homme du nom d’Aristias, (son nom semble indiquer qu’il doit être de bonne famille) qui a été troublé par les sophistes, ces penseurs dévoyés. L’argument des entretiens est que Phocion va petit à petit convertir Aristias à la vraie morale issue de la raison, la vertu, qu’il s’agit de retrouver au plan individuel et collectif, ce qui est l’objectif des philosophes du 18^e siècle que l’on va trouver également chez Rousseau.

Le voyage d’Anacharsis

Si les Entretiens de Phocion connurent 7 éditions au 18^e siècle et 2 au 19^e, le Voyage du jeune Anacharsis en Grèce, dans le milieu du quatrième siècle avant l’ère vulgaire de Jean-Jacques Barthélemy publié en 1788,  fut un grand succès même si l’époque était déjà préoccupée par les assemblées préparatoires aux États Généraux. Ce livre connut 8 éditions au 18^e siècle mais 27 au 19^e sans compter les éditions en langue allemande et italienne, les abrégés ou autres Petit Anacharsis pour l’usage de la jeunesse.

La forme n’est plus celle d’un récit à la Plutarque mais l’objectif est le même : à la faveur du récit qu’un non grec fait  des grecs de l’époque de Démosthène, notre voyageur a l’occasion de rencontrer en privé toutes les célébrités du temps. La rencontre avec Platon n’est que l’occasion de raconter sa vie et chaque affirmation est soutenue par une note en bas de page « il avait l’air sérieux (référence à Diogène Laerce), les yeux pleins de douceur (référence à Elien le Sophiste), le front ouvert et dépouillé de cheveux (Neanth. Ap. Diog. Laert.) » [25]., etc. Il y a toujours de 20 à 30 notes en bas de chaque page qui manifestent le but de l’auteur : rassembler tous ce que l’on sait de l’histoire de la Grèce, en se basant sur l’ensemble des auteurs anciens, d’une manière agréable. Le lecteur peut ignorer les appels de note qui sont discrets et découvrir les grands hommes de l’Antiquité.

La forme est agréable à lire, l’érudition manifestée mais la finalité a évolué : il s’agit d’une récapitulation du savoir antique dans tous les domaines, philosophique, artistique, scientifique. En huit pages, Euclide en personne nous fait un état de la question en astronomie et géographie (p. 281-288), Xénophon nous raconte comment il avait rencontré Socrate mais également la belle histoire de Panthée, reine de la Susiane, belle captive qui fait chavirer tous les cœurs des proches de Cyrus. Celui-ci s’interdit de la voir de peur de ne pouvoir s’en détacher. Le roi Abradate, époux de Panthée vient se mettre au service de Cyrus et meurt courageusement dans la bataille : Panthée le suit dans la mort. Là l’auteur brode un peu, il n’y a plus que quelques notes de bas de page, mais l’histoire est si belle et tellement dans l’air du temps. (p. 355-357).

L’antique est en effet à la mode : les fouilles d’Herculanum ont commencé en 1738 mais n’ont été réellement connues qu’après 1760. En 1755 notre auteur, l’abbé J.-J. Barthélemy, qui travaille au cabinet des médailles du roi, accompagne l’ambassadeur de France à Rome et se plaint de la rétention des manuscrits trouvés à Herculanum.

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L’archéologie est née à cette époque grâce à des précurseurs comme Caylus mais s’est développée du 19^e siècle à nos jours et continue d’être présente dans les musées, les reportages, les articles et même dans la vie quotidienne par les fouilles de sauvetage [26].

La passion pour l’art est toujours aussi vive et les musées ne désemplissent pas : les « touristes » d’aujourd’hui, héritiers du « Grand Tour », privilégient dans leur programme les musées d’art et les sites archéologiques.

Dans une deuxième partie (à venir) nous verrons l’effet de cette nouvelle vision de l’Antiquité sur l’enseignement et comment cette évolution peut expliquer la situation actuelle de l’enseignement du latin.

1. François de Polignac et Joselita Raspi-Serra (Éd.), La fascination de l’antique 1700-1770. Rome découverte, Rome inventée. Paris, Somogy – Lyon, Musée de la Civilisation gallo-romaine, 1998 [↩]
2. La fascination de l’Antique, p.29 [↩]
3. id. p. 49 [↩]
4. Royal Collection [↩]
5. La fascination de l’Antique, p. 141 [↩]
6. Johann Joachim Winckelmann, Histoire de l’art dans l’Antiquité, Editions Klincksieck, 2023 [↩]
7. La fascination de l’Antique, p. 49 [↩]
8. Histoire de l’art, p. 433 [↩]
9. id. p. 448 [↩]
10. id. p. 450 [↩]
11. id. p. 462, voir aussi le récit des évènements sur le présent carnet de recherche :  Athènes 403. Une histoire chorale [↩]
12. id. p. 463 [↩]
13. id. p. 484 [↩]
14. id. p. 485 [↩]
15. id. p. 499 [↩]
16. sur ce point voir le billet sur ce site : De l’imitation à l’étude des Anciens : le cercle de Goethe [↩]
17. Edouard Pommier, Winckelmann, inventeur de l’histoire de l’art, Gallimard, 2003, p. 209 [↩]
18. id. p.212 [↩]
19. id. p. 239 [↩]
20. sur ce site [↩]
21. cité par Malcom Baker, La consommation de l’antique : le Grand Tour et les reproductions de sculpture classique, dans D’après l’antique, catalogue de l’exposition du musée du Louvre (octobre 2000-janvier 2001), Réunion des Musées Nationaux, 2000, p. 69-77 [↩]
22. Lyon, archives municipales, Fascination de l’Antique, op. cit. p. 86 [↩]
23. Chantal Grell, Le dix-huitième siècle et l’antiquité en France 1680-1789, Oxford, Voltaire foundation, 1995, p. 173-191 [↩]
24. je vais maintenant reprendre de larges extraits de mon précédent billet de 2010 : La fascination de l’Antique de Rollin à Rousseau [↩]
25. Jean-Jacques Barthélemy, Voyage d’Anacharsis en Grèce, vers le milieu du quatrième siècle avant l’ère vulgaire, Paris, Librairie d’éducation de A. J. Sanson, (première édition 1788), 1827, p. 148 [↩]
26. on lira avec profit le livre d’Alain Schnapp, La conquête du passé, Carré, 2020 [↩]

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